Od starożytnych cywilizacji po współczesne kultury, kwiaty zawsze odgrywały istotną rolę w tradycjach, praktykach religijnych, uroczystościach, wydarzeniach i codziennym życiu ludzi. Z każdym krokiem w czasie dodawano więcej struktury, formy i symboliki, aż do momentu, w którym mamy dziś tętniące życiem społeczności sztuki kwiatowej. Ta fascynująca podróż rozpoczęła się około 5000 lat temu i podróżuje w czasie i na całym świecie, aby dać nam historię pełną intryg i inspiracji. Dołącz do mnie i poznaj bogatą historię florystyki.
Starożytny Egipt (około 3000 – 332 p.n.e.)
Egipcjanie wierzyli, że obfitość jest boska i że przyjmując tę kulturę, bogowie byli zadowoleni.
Rytuały opracowane i zachowane na malowidłach ściennych starożytnego Egiptu często przedstawiają uroczystości i uczty, w których kwiaty odgrywały dużą rolę. Wyszukane kompozycje kwiatowe są częstą dekoracją stołów i ofiar składanych bogom w świątyniach.
Chociaż istnieją dowody na stosowanie wielu kwiatów ze względu na żyzność dorzecza Nilu w tamtych czasach, to właśnie kwiat lotosu wyróżniał się jako symbol stworzenia i życia.
Kwiat lotosu
Być może najstarszą formą sztuki kwiatowej – symbolem odrodzenia po śmierci – są dwa związane ze sobą kwiaty lotosu. Wierzono, że lotos był pierwszą rośliną wodną, która wyrosła po stworzeniu świata, nadając jej wyższy status niż innym roślinom i kwiatom.
Początkowo w projektach używano głównie kwiatu lotosu, wraz z nasionami, palmami i trawami, takimi jak papirus, aby stworzyć pokaz mający na celu prostotę i symetrię. Każdy kwiat lub roślina jest gwiazdą.
Nowe Królestwo
W okresie Nowego Państwa w historii Egiptu (około 1570-1069 p.n.e.) kolory i girlandy kwiatowe były używane jako ochrona religijna i symbole statusu.
Kwiaty były również używane do ochrony zmarłych przed ich wrogami i zapewnienia bezpiecznego przejścia do podziemi aż do odrodzenia. Przedstawienia kwiatów były szeroko stosowane w dekoracjach, od malowideł ściennych w grobowcach po rzeźby w meblach i biżuterii.
W tym okresie nastąpiła zmiana w projektowaniu. Prostą symetrię zastąpiono wiązankami kwiatów, takich jak lilie, tworząc bukiety i artystyczne girlandy kwiatowe i kołnierze, wykonane do noszenia jako ozdoby za życia i po śmierci.
Powszechnie używane kwiaty
Niektóre z głównych kwiatów używanych w tym okresie to chabry, rumianki, maki, chwasty, szafrany, jastrzębiec, ostróżki, winorośle, palmy, figi, granaty, Persea, wierzby, oliwki i psianka. Każdy z nich miał określone znaczenie symboliczne, a każdy związany z nim kolor miał dalsze znaczenie symboliczne.
Pierwsi floryści
Co więcej, ludzie, których zadaniem było tworzenie girland i kompozycji kwiatowych dla wyższych warstw społeczeństwa i rodziny królewskiej, otrzymali tytuły takie jak „Nosiciel Boskich Ofiar” lub „Ogrodnik Boskich Ofiar” – pierwsi kwiaciarze świata.
Era grecka (około 600 p.n.e. – 146 n.e.)
Historia grecka i rzymska została tutaj zgrupowana, ponieważ epoki te miały bardzo podobny styl – obfite kwiaty, owoce, zioła i warzywa.
Grecy czerpali inspirację z egipskich girland i używali ich do ozdabiania filarów i urn. Ale w tym okresie sztuka kwiatowa stała się bardziej wyszukana.
To, co było dla nich ważne, to nie tylko symbollizm użytych kwiatów, ale perfumy, które nadawały. Rzadko używali wazonów i rozsypywali płatki kwiatów.
Greckie wieńce
Grecy byli pierwszymi, którzy stworzyli wieńce noszone przez ludzi i większe, które były prezentowane jako hołdy religijne i ceremonialne podczas ważnych wydarzeń. Ten trend, jak wiemy, jest stosowany do dziś. Tradycje te miały nawet oficjalnych projektantów (kwiaciarnie) starannie skonstruowanych przy użyciu zestawu pisemnych zasad.
Jednym z najważniejszych i najbardziej znanych wieńców starożytnych Greków jest wieniec laurowy, wykonany pierwotnie z liści wiecznie zielonej laury (Laurus nobilis). Występuje on w mitologii greckiej, gdzie Apollo jest przedstawiany w takim wieńcu.
Ponieważ był on patronem lekkoatletyki, muzyki i poezji, nie bez powodu zwycięscy sportowcy, muzycy i poeci byli nagradzani wieńcami laurowymi za swoje wysiłki. Trend ten został przejęty przez Rzymian i był również przyznawany dowódcom wojennym po ich zwycięstwach.
Era rzymska (28 – 325 n.e.)
Rzymianie przejęli grecki nieskrępowany projekt i uczynili go jeszcze bardziej wyszukanym, bogatym i odważnym, dodając do mieszanki więcej egzotycznych kwiatów zebranych z handlu z sąsiednimi krajami.
To właśnie Rzymianie jako pierwsi wpadli na pomysł upamiętniania zmarłych kwiatami. W dniu ozdabiania różami (dies rosationi) rodziny zbierały się, aby udekorować groby swoich przodków wyszukanymi wystawami.
Ten Dzień Pamięci jest nadal praktykowany w jakiejś formie do dziś, a kompozycje kwiatowe odgrywają istotną rolę na pogrzebach na całym świecie.
Ogromne znaczenie kwiatów w kulturze rzymskiej można wyraźnie dostrzec w ich przedstawieniach w sztuce, zwłaszcza w mozaikach i malowidłach.
Powszechnie używane kwiaty
Preferowano kwiaty pachnące, w tym wiciokrzew, róże, lilie, fiołki, krokusy, tulipany, ostróżki i hiacynty. Aby urozmaicić ekspozycję, używano również pachnących ziół, takich jak koper włoski, rozmaryn i tymianek, a także liści bluszczu, dębu, cyprysu i fig, by wymienić tylko kilka.
Okres bizantyjski (około 325 – 1453 r. n.e.)
Biorąc pod uwagę to, co zrobili Rzymianie, Bizantyjczycy dodali więcej struktury do sztuki kwiatowej, używając powtarzalnych wzorów i stylizowanych form.
Był to czas idealnie ukształtowanych i symetrycznych wzorów – stożkowatych kształtów w niskich pojemnikach lub drzewiastych kształtów w kielichach i atrakcyjnie zdobionych pojemnikach.
Powtarzające się wzory były kluczem, wraz z pasmami koloru zielonego, niebieskiego lub fioletowego z uzupełniającymi kolorami akcentującymi – czerwonym, pomarańczowym i żółtym. Lilie, irysy, goździki, maki, róże i stokrotki przeplatały się z owocami i zielenią, taką jak cyprys i sosna.
Styl biedermeier
W stylu biedermeier sztuki kwiatowej pochodzącej z Niemiec i Austrii w latach 1815-1848, możemy dostrzec wpływ Bizancjum.
Ta zwarta forma projektu w koncentrycznych okręgach, liniowych wzorach lub spiralach z naprzemiennymi kolorami jest dobrą ilustracją rodzaju sztuki kwiatowej tworzonej przez Bizancjum.
Średniowiecze (476 – 1450 n.e.)
Obszar wokół Europy Zachodniej był znany jako średniowiecze za panowania Bizancjum i innych. Chrześcijaństwo silnie wpłynęło na ten okres.
Kwiaty były często używane w żywności, napojach i lekarstwach w tym okresie, a zapach byłjest ważnym czynnikiem. Średniowieczny ogród był wypełniony kwiatami, takimi jak róże, lilie, fiołki i irysy, ale także ziołami, takimi jak szałwia i rozmaryn, aby dodać zapachu kwiatom.
Girlandy i wieńce były popularne przez cały rok, a kwiaty i zioła były używane do ozdabiania ubrań i włosów.
Zakłada się, że w średniowieczu niewiele działo się w świecie sztuki florystycznej, ponieważ istnieje bardzo niewiele przedstawień w sztuce. Jedynym wyjątkiem jest sztuka perska, która pokazuje kwiaty ułożone w bardzo ozdobnych chińskich wazach ozdobionych zwierzętami, ptakami i smokami.
Renesans i barok (1400-1600 n.e.)
Gdy mury Konstantynopola upadły, oznaczając upadek Cesarstwa Bizantyjskiego (1453), włoski renesans był w powijakach. Era ta była czasem odrodzenia, a kwiaty odgrywały istotną rolę w życiu ludzi w całej Europie.
Zamiłowanie do ogrodnictwa sprawiło, że kwiaty stały się bardziej dostępne i były układane do codziennego użytku, a nie tylko na uroczystości i wydarzenia.
Symbolika kwiatów
Wiele dzisiejszych symbolicznych odniesień można przypisać tej epoce, w tym dawanie róż jako symbolu miłości i lilii jako symbolu czystości. Język kwiatów, czyli florystyka, stał się jeszcze bardziej popularny, zwłaszcza wśród arystokracji.
Kwiaty inspirowały ówczesnych malarzy. Obrazy przedstawiały obfitość kwiatów w wielu kolorach, ułożonych dziko, ale także symetrycznie, w urnach, zdobionym szkle, krysztale, srebrze, a nawet terakocie.
Inne przykłady przedstawiają pojedyncze kwiaty w małym wazonie lub dzbanku, często białą lilię jako emblemat Matki Boskiej. Stożkowe kształty nadal miały swoje miejsce i często łodygi nie były widoczne. Kwiaty były niezbędne podczas ceremonii religijnych i nabożeństw.
Powszechnie używane kwiaty
Kwiaty z tego okresu to m.in. róże, lilie, goździki, stokrotki, bratki, fiołki, orliki i róże. Jako zieleń wykorzystywano laur, oliwkę i jasny bukszpan.
Tudorowie (1485 – 1603)
W okresie Tudorów w Anglii zapach i zioła były używane z zupełnie innego powodu.
Noszono nieformalne bukiety i tussie-mussies, ponieważ wierzono, że odstraszają one choroby. Panny młode nosiły kielichy kwiatów, liści i ziół przewiązane wstążkami, aby symbolizować szczęście i odstraszać złe duchy, ale być może z bardziej praktycznego powodu, ponieważ pomagały ukryć zapach ciała.
Okres baroku (1600-1700)
W okresie baroku układanie kwiatów nadal nie było uważane za sztukę. Jednak malowanie pięknych kompozycji kwiatowych było, i było ich mnóstwo.
W rzeczywistości ówcześni malarze barokowi wyznaczali trendy w projektowaniu kwiatów. Były to często ekstrawaganckie projekty w mocno zdobionych urnach, ceramice, szkle i kielichach, często z cherubinami i zwojami.
Symetryczne i owalne aranżacje z poprzednich epok zaczęły później zmieniać się w duże asymetryczne projekty, a forma „S” nabrała kształtu, znanego również jako „Linia piękna”.
Kwiaty o różnych kolorach i rozmiarach są silnie zaznaczone, podobnie jak kwiaty o wysokich łodygach. Styl barokowy powstał we Włoszech, ale wkrótce rozprzestrzenił się na inne obszary Europy, takie jak Belgia i Holandia, wprowadzając do niego nowe trendy.
Okres flamandzko-holenderski (1600-1800)
Wciąż uważane za barokowe, wczesne flamandzko-holenderskie kompozycje kwiatowe too owalnym kształcie z masą kwiatów w wielu kolorach, ale z niewielką głębią. To przekształciło się w luźniejszy trend z większą głębią i ruchem.
Styl ten podkreślił ważne kwiaty i pozwolił zakrzywionym łodygom nadać bukietowi płynność i zamaszyste linie.
Wielkie połacie kwiatów układano w ciężkich urnach, misach wykonanych z terakoty i dzbanach, a w projektach pojawiały się akcesoria, takie jak owoce (obrane i nieobrane), ptasie gniazda, jajka, muszle i inne dzikie elementy.
Wpływ sztuki
Malarze nadal mieli wpływ na to, jak wyglądała sztuka florystyczna, a wiele dzieł sztuki przedstawia to, co było w wyobraźni artystów – często mieszankę kwiatów z różnych pór roku na jednym obrazie.
Wprowadzili również koncepcję aranżacji 2-3 razy większej niż wysokość pojemnika. Te wyszukane aranżacje wywołały ponowne zainteresowanie materiałem roślinnym, a różnorodność kwiatów przywędrowała z innych regionów świata do Europy.
Słoneczniki i kaktusy z obu Ameryk stały się ekscytującymi nowymi roślinami i kwiatami, wraz z kwiatami takimi jak chryzantemy – jednymi z najbardziej wszechstronnych kwiatów używanych we florystyce do dziś.
Style francuskie (1650 – 1840)
W okresie francuskiego baroku (1650-1700) projekty przeszły od włoskich stylów barokowych do bardziej obfitych i kobiecych kompozycji kwiatowych.
Delikatne kwiaty umieszczano w marmurowych, kamiennych lub brązowych urnach lub delikatnie zdobionej porcelanie. Wyobraź sobie Ludwika XIV i pałac w Wersalu, aby zobaczyć stylizację. Kwiaty takie jak anemony, tulipany, lwie paszcze i maki były na porządku dziennym.
Styl rokoko
W latach 1715-1774 Francuzi przyjęli bardziej frywolny wygląd ze stonowanymi kolorami i mniejszymi delikatnymi kwiatami.
Ten okres w historii został nazwany „rokoko”, co oznacza przypominający muszlę, po wprowadzeniu kształtu półksiężyca do mieszanki. Kwiaty używane w tym okresie pochodziły z wiciokrzewu, piwonii i bzu, a w sztuce florystycznej pojawiały się liście paproci.
Wpływ Ludwika XV1
Kiedy Ludwik XVI przejął władzę (około 1774 roku), dodano wysokie, smukłe i symetryczne wzory, nadal w stonowanych kolorach, ale często z domieszką czerwieni.
Francuski styl empire
W latach 1804-1840 francuski styl empire zmienił sposób projektowania kwiatów. Napoleon Bonaparte (1769 – 1821) miał z tym wiele wspólnego, nakazując nawet stosowanie zestawu wytycznych w tym stylu.
Choć nadal bardzo elegancki, styl zmienił się z kobiecego na bardziej męski, wykorzystując mocniejsze kolory, takie jak złoto, z większą ilością liści i owoców dodanych do kwiatów. Ten styl ma silną symetryczną formę w geometrycznych kształtach, szczególnie w kształcie piramidy.
Bardziej wyszukane wazony były wykonane z drogich materiałów, takich jak marmur i drewno, a aranżacje były często ozdobione symbolami, takimi jak litera N lub pszczoła, którą Napoleon wybrał, aby reprezentować swój status.
Powszechnie używane kwiaty
Kwiaty z tego okresu obejmują róże, stokrotki i lilie.
Angielski georgiański (1714 – 1830)
Wczesny okres georgiański (1714-1760) był również znany jako angielski barok. Naśladował flamandzko-holenderskie style projektowania, ale z nieco większą powściągliwością.
Używano angielskich kwiatów, a do mieszanki dodano kilka importowanych z Europy. Styl ten charakteryzuje się powściągliwością i dostojnością.o odzwierciedlają formalną kulturę okresu gruzińskiego.
Zarówno mężczyźni, jak i kobiety w tamtych czasach nosili mocno pachnące ręczne bukiety zwane nosegays (lub tussie-mussie) w nadziei na odparcie chorób i ukrycie nieprzyjemnych zapachów.
Projekty były symetryczne, często trójkątne i wykorzystywały kwiaty cięte uprawiane w ogrodach. Godną uwagi odmianą w tej epoce jest użycie jednego koloru kwiatów lub jednego rodzaju kwiatów.
Neoklasycyzm
Późna epoka georgiańska (1760-1830) – neoklasycyzm – projekty stały się bardziej dostępne z większym wyczuciem wzornictwa z masywnymi kwiatami w wysokich, ale wciąż symetrycznych formach. Owoce powróciły, podobnie jak wprowadzenie suszonych kwiatów do aranżacji.
Wprowadzenie cieplarni
Jedną z bardziej znaczących innowacji, które ukształtowały wzornictwo kwiatowe w Anglii, było wprowadzenie szklarni lub oranżerii w XVI wieku.
Początkowo szklarnie te były budowane dla owoców i warzyw, zwłaszcza pomarańczy importowanych z Hiszpanii, i mieściły się w oranżeriach. Na gruzińskich stołach ananas zajął centralne miejsce jako jeden z najbardziej egzotycznych owoców wprowadzonych w tamtym czasie.
Łowcy roślin z całego świata często przywozili nasiona lub rośliny z tropików niezbędne do uprawy w cieplarniach. Rośliny takie jak orchidee zaczęły pojawiać się w aranżacjach kwiatowych aż do czasów wiktoriańskich – dla tych, którzy mieli na to środki.
Angielski okres regencji (1810-1830)
Angielski styl regencji lub empire stał się modny na krótki okres między 1810 a 1830 rokiem. Do angielskich ogrodów wprowadzono nowe rośliny cebulowe, takie jak żonkile i hiacynty. Masowe aranżacje obejmowały akcesoria, takie jak wachlarze, pudełka oraz porcelanowe figurki i figurki.
Bukiety ślubne z epoki regencji zawierały węzły miłosne wykonane z liny lub wstążki, wiązane wewnątrz bukietów wyciętych z ogrodów lub wzdłuż drogi, często z ziołami i jadalnymi kwiatami, takimi jak bratki i fiołki, dodawanymi na szybką przekąskę.
Powszechnie używane kwiaty
Kwiaty takie jak róże, piwonie, słodki groszek, lilie i delphiniums, a także egzotyczne kwiaty, takie jak dalie i fuksje, były używane z bardziej egzotycznymi kwiatami dla bogatych, pochodzącymi z oranżerii.
Wczesna Ameryka (1620-1800)
Wczesny amerykański styl projektowania kwiatów polegał głównie na cięciu roślin ogrodowych i polnych i umieszczaniu ich w słoikach z wodą. Później pojemniki stały się łatwiej dostępne i wykonane z materiałów takich jak mosiądz, miedź, cyna i drewno. Kwiaty były produkowane masowo i używane w wielu kolorach.
Angielski styl georgiański i francuski styl empire były popularne w dekorowaniu domów, szczególnie w środkowych i południowych koloniach. Świeże i suszone kwiaty w zaokrąglonych lub kwadratowych kompozycjach stały się modne.
Wraz z eksportem kwiatów z Europy, dekoratorzy kwiatów mieli większy wybór, a aranżacje stały się bardziej egzotyczne.
Era wiktoriańska (1830 – 1901)
Epoka ta znana jest z nadawania znaczenia kwiatom i budowania języka florystycznego (floriografii). Projekt aranżacji składał się z masy kwiatów i liści ciasno upakowanych w pojemniku.
Ideą był nadmiar – szczególnie dla osób z wyższych klas – a kwiaty były projektowane tak, aby były ekstrawaganckie i pokazywały bogactwo i status.
Projekty miały często owalny lub okrągły kształt i zawierały dużo liści z jasnymi kwiatami w kontrastujących kolorach, umieszczonymi na niższej wysokości.osiem, często mniej niż pojemnik. Uwzględniono również owoce, ponieważ były one uprawiane w tym samym ogrodzie co kwiaty.
Aranżacje stołów zostały opracowane przy użyciu ozdobnych elementów centralnych (Epergnes) wypełnionych kwiatami, paprociami i owocami. Była to również era formalnych posy. Pojedynczy kwiat, zwykle róża, tworzył centralny punkt, a kwiaty wokół niego tworzyły koncentryczne okręgi i były wykończone warstwą liści.
Budowanie kultury kwiatowej
Był to ekscytujący czas dla sztuki florystycznej, a damy społeczeństwa rozwijały swoje umiejętności i co tydzień tworzyły aranżacje. Każde spotkanie musiało obejmować tussie-mussies lub nosegays w uchwytach bukietów wykonanych z mosiądzu lub srebra i ozdobionych klejnotami, i był to początek używania boutonnière lub butonierki i staników jako akcesoriów.
Rozpoczyna się okablowanie kwiatów
Bukiety te wprowadziły również praktykę wiązania kwiatów, które można było nosić wokół talii lub przymocować do torebki. Technika ta pozwoliła na umieszczenie główek kwiatów lub kwiatów o krótkich łodygach w bukiecie i manipulowanie nimi w celu utworzenia uporządkowanej kompozycji lub pojedynczych kwiatów, takich jak orchidee, do wykorzystania w bukiecie. Praktyka ta pozwoliła na większą kontrolę nad kwiatami, a projekty uległy poprawie.
Wiadomości wysyłane w kwiatach
Pojedyncze bukiety kwiatów były na porządku dziennym i wybierane bardzo starannie, aby przekazać odbiorcy właściwą wiadomość. Język kwiatów był u szczytu popularności.
Pierwsze przewodniki projektowania
Po raz pierwszy opracowano oficjalny zestaw zasad dotyczących układania kwiatów, co doprowadziło do tego, że układanie kwiatów stało się formą sztuki ze strukturą i listą elementów projektu.
Nowoczesne/współczesne wzornictwo kwiatowe
Art Nouveau (1890 – 1910)
Zmiana w projektowaniu kwiatów, pozostawiająca za sobą epokę wiktoriańską, rozpoczęła się około 1890 roku. Zapożyczając z orientalnego wykorzystania linii jako struktury, projektanci połączyli style, które do dziś tworzą tę formę sztuki.
Powstanie secesyjnego okresu projektowania tuż przed pierwszą wojną światową było po raz kolejny kierowane przez artystów chcących odrzucić zakurzone zasady tradycyjnego projektowania i zrewolucjonizować świat sztuki czymś nowym i ekscytującym.
Był to również czas rewolucji przemysłowej, kiedy masowa produkcja i przemysł były na porządku dziennym, a bunt przeciwko nim był nieunikniony w świecie sztuki.
Projekty kwiatowe charakteryzowały się płynnymi stylami i zawijasami z kilkoma kwiatami, a czasem owocami, głównie tylko jednej odmiany. Zniknęły ekscesy epoki wiktoriańskiej, a w całej Europie i obu Amerykach rozpoczęła się nowa era sztuki organicznej i rzemiosła.
Art Deco (1920-1939)
Ponieważ wojna przerwała okres secesji, inny ruch stał się bardziej popularny po wojnie w latach dwudziestych XX wieku – Art Deco. Płynne linie przeszły w mocne, proste linie, a geometryczne kształty i stonowane odcienie stały się jasne i żywe.
Po mroku wojny nic dziwnego, że ten odważny styl był całkowitym przeciwieństwem wszystkiego, co ktokolwiek kiedykolwiek widział. Być może nie był to styl, który można było utrzymać przez długi czas, a wraz z upływem czasu projekty powróciły do bardziej organicznego wyglądu.
Odrodzenie stylu Art Deco w latach 60-tych XX wieku można zaobserwować w wielu budynkach, a w tym stuleciu ma on powrócić ponownie.
Wpływowi ludzie
Styl Constance Spry (1930 – 1940)
Jeśli istnieje osoba, która wywarła największy wpływ na sztukę florystyczną w XX wieku, musi to być Constance Spry, znana jako oryginalna Domowa Bogini. Brytyjska florystka i autorka wielu książek, przypisuje się jej modernizację aranżacji kwiatowych za pomocą mieszanych aranżacji i projektów z samych liści.
Była znana z dodawania do swoich aranżacji interesujących materiałów, takich jak gałązki porostów, wierzba wiciowa, trawy, polne kwiaty, chwasty, jarmuż i karczochy.
Jej projekty zostały opisane jako dzikie, ale eleganckie, żywe, a jednocześnie subtelne. Używała niekonwencjonalnych wazonów i pojemników do przechowywania kwiatów – słoików po dżemie i znalezisk z antykwariatów.
Jonowe wazony w kształcie łodzi inspirowane muszlami zostały nazwane wazonami Spry na jej cześć. Inspiracją dla jej dzieł często były holenderskie martwe natury z XVI i XVII wieku.
Jej własne słowa całkowicie podsumowują jej styl:
„Rób, co chcesz, podążaj za własną gwiazdą; bądź oryginalny, jeśli chcesz i nie bądź, jeśli nie chcesz. Po prostu bądź naturalna, lekka, ładna, prosta, przepełniona, barokowa, naga, surowa, stylizowana, dzika, odważna, konserwatywna i ucz się, ucz się i ucz się. Otwórz swój umysł na każdą formę piękna”. – Constance Spry.
Wpływy azjatyckie
Chińczycy (500 p.n.e. – 100 n.e.)
Starożytne chińskie wzornictwo kwiatowe (500 p.n.e. – 100 n.e.) koncentrowało się wokół ceremonii religijnych, zwracając szczególną uwagę na pory roku. Kwiaty były umieszczane w ozdobnych pojemnikach i wykonane z materiałów takich jak porcelana, brąz i cyna w naturalnym stylu bez żadnych ozdób.
Uważa się, że japoński kapłan buddyjski odwiedzający Chiny w 621 r. n.e. zabrał pomysł prezentowania kwiatów podczas ceremonii z powrotem do swojej ojczyzny i w ten sposób zapoczątkował kwitnącą formę sztuki, z której korzystamy do dziś.
Japoński (621 r. n.e. – dzień dzisiejszy)
Japońska sztuka projektowania kwiatów – Ikebana (aby dać życie kwiatom) – jest praktykowana i uznawana za formę sztuki od 1470 roku, przy zastosowaniu ścisłych zasad i tworzeniu mocno stylizowanych form – odejście od nieuporządkowanych chińskich wzorów kwiatowych.
Ikenobō
Różne osoby miały wpływ na tę formę sztuki kwiatowej na przestrzeni wieków, w tym buddyjscy kapłani, którzy stali się mistrzami projektowania kwiatów w szkole Ikenobō – najważniejszej i najstarszej szkole Ikebany, założonej w XV wieku. Nauczyła nas, że piękno można znaleźć nie tylko w kwiatach, ale także w pąkach i niszczejących kwiatach.
Sōgetsu
Styl Sōgetsu został opracowany w 1927 roku przez Sōfū Teshigaharę i wprowadził koncepcję wykorzystania autoekspresji w projektach. Elementy jego projektów obejmowały życie roślinne, żywe i martwe, bielone lub malowane pnącza i gałęzie oraz elementy złomu, takie jak metal, plastik i winyl, które wcześniej nie były używane w sztuce kwiatowej.
Ohara
Na koniec warto wspomnieć o stylu Ohara Ikebana, który został wprowadzony przez Ohara Unshin, artystę florystę, który wziął kwiaty importowane z Zachodu i wprowadził je do swoich projektów, głównie przy użyciu płytkich wazonów w stylu Moribana.
Krótko mówiąc, głównymi elementami projektu Ikebany są prostota, wykorzystanie negatywnych przestrzeni, linii i rytmu, aby połączyć niebo, człowieka i ziemię jako symboliczne formy.
Hanakotoba
Istnieje również żywe wykorzystanieSymbolika w sztuce florystycznej w japońskim języku kwiatów – Hanakotoba. Jest to stosunkowo nowa praktyka z XIX wieku, w której wybór kwiatów w celu przesłania odpowiedniej wiadomości stał się bardziej znaczący wraz z projektem. Dokonanie niewłaściwego wyboru może zostać uznane za obraźliwe w złym guście i przynieść pecha.
Przemyślenia końcowe
W przyszłych latach, gdy ludzie będą próbowali ustalić epokę dla tego, mogą walczyć o ujęcie tego wszystkiego w słowach. Tak wiele stylów i wzorów tworzy dziś projekty kwiatowe, a jednak często inna epoka jest przedstawiana i przywracana na krótko do życia aż do następnego projektu. Jedną z naszych szczęśliwych cech dzisiejszej sztuki florystycznej musi być wyrażanie sztuki w formie pokazów kwiatowych, w których każdy może uczestniczyć i cieszyć się talentami mistrzów i amatorów, którzy spotykają się wyłącznie z miłości do tej formy sztuki.
Jesteśmy miejskim zasobem florystycznym, roślinnym i lifestylowym, którego kuratorem jest pełen pasji zespół ogrodników, entuzjastów kwiatów i roślin, początkujących projektantów i nieustraszonych miejskich ogrodników. Naszym celem jest prezentowanie tego, co najlepsze w projektowaniu kwiatów i roślin, dzielenie się naszym doświadczeniem i rekomendacjami dotyczącymi najlepszych kwiatów i zieleni na każdą okazję, porę roku i środowisko życia oraz szerzenie naszej miłości do czarującego świata kwiatów i roślin.